Dein Showreel
Du bist Schauspieler/in und brauchst ein professionelles Showreel?
Du möchtest die Caster, Regisseure und Produzenten von Deinem Können überzeugen?
Du brauchst ein professionelles About Me Video, damit Du Dich den Castern optimal vorstellen kannst?
Du bekommst Deine hochwertig gedrehte Szene, produziert von Profis aus der Filmbranche, mit einem professionellen Spielpartner, aus unserem Pool an Schauspielern, den wir für Dich casten. Gerne kannst Du auch Deinen eigenen Spielpartner mitbringen!
Wenn Du keine eigene Szene hast, kannst Du unseren Szenen-Autorenservice buchen und Dir Deine Szene von erfahrenen Autoren, die wissen, was eine gute Szene ausmacht, schreiben lassen !
Wir sorgen dafür, dass Du Dich am Set voll und ganz auf Dein Spiel konzentrieren kannst und Du Dich von Deiner besten Seite präsentierst !
Egal, ob Du Anfänger bist, oder schon einmal Szenen für Dein Demoband gedreht hast:
Wir bringen Dein Talent und Können auf den Punkt und setzen Dich gekonnt in Szene !
Warum brauche ich ein Showreel ?
- Ein Showreel (Demoband) ist die Visitenkarte eines Schauspielers/ einer Schauspielerin !
- Viele Caster/innen besetzen ausschließlich über das Showreel !
- Ein Showreel bietet Dir die Möglichkeit innerhalb von Minuten die Bandbreite Deines Könnens zu präsentieren und Dich in verschiedenen Rollen zu zeigen und die Caster/innen zu überzeugen !
- Ein Showreel zeigt Dich bei Deiner Arbeit in Aktion ! Fotos und eine gute Ausbildungsstätte alleine reichen nicht aus, um besetzt zu werden
- Ein Showreel transportiert alle wichtigen Infos über Dein Spiel (den Klang Deiner Stimme, Dein Aussehen, Deine Fähigkeit für die Kamera zu spielen, Deine Wandlungsfähigkeit, Dialekte, Akzente oder z.B. die Fähigkeit andere Sprachen zu sprechen, Deine besonderen Fähigkeiten wie z.B. reiten, singen, fechten etc.)
- Um in einer guten Schauspieler-Agentur aufgenommen zu werden, ist ein aussagekräftiges Demoband ein Muss !
- Nur mit einem Showreel sind Deine Schauspielerprofile im Netz vollständig !
- Gerade, wenn Du noch keine Projekte auf Deiner Vita stehen hast, ist ein gutes Demoband unerlässlich, um auf Dich aufmerksam zu machen
WAS DU LERNEN WIRST
- Generelle Techniken vor der Kamera:
- Wie bereite ich mich für das Spiel vor der Kamera vor :
- Du wirst lernen, wie wichtig es ist, Deinen Text zu können, damit sich Dein Spiel entwickeln kann und wir frei arbeiten können, ohne von Texthängern gebremst zu werden.
- Framing:
- Wie Du Dich positionierst und mit der Kamera spielst bzw diese für Dein Spiel nutzt. Auch wirst Du lernen evtl. auf den Punkt genau Deine Positionen („Marke“) zu treffen, die vorher festgelegt worden sind, damit Du z.B. im richtigen Winkel zur Kamera stehst und Deinen Spielpartner nicht verdeckst, oder nicht im Schatten oder in der prallen Sonne stehst.
- Eyeline:
- Wohin musst Du blicken und wen solltest Du ansehen. Auch wirst Du lernen, wann es wichtig ist, nur in ein Auge Deines Spielpartners zu blicken und warum.
- Requisiten:
- Du wirst lernen, ob Requisiten Deinem Spiel helfen und benutzt werden sollten bzw wie Du sie am besten einsetzen kannst.
- Spielpartner:
- Wie es meistens an einem echten Set ist, wirst Du Deine Spielpartner am Drehtag zum ersten Mal treffen. Das ist ein sehr wichtiger Teil des Prozesses, denn als Schauspieler spielen wir sehr oft mit Menschen, die wir nie zuvor gesehen haben, müssen jedoch vor der Kamera eine glaubwürdige Beziehung zu diesen Menschen präsentieren, in der wir z.B. ein Liebespaar spielen oder Freunde, die sich ein Leben lang kennen.
- Script Reading und Probe:
- Bevor wir mit den Aufnahmen beginnen, gibt es eine Leseprobe und eine Stellprobe. Du gehst mit Deinem Spielpartner und dem Regisseur das Script durch, wobei Fragen geklärt werden können und ihr euch ausprobieren könnt. Dies könnt ihr auch sehr gerne ohne das Script in der Hand tun, um bereits eine Sicherheit für den Text und das Spiel mit dem jeweiligen Spielpartner zu bekommen. Sobald diese Lese- bzw. Textprobe beendet ist, werden wir die Szene räumlich stellen und die wichtigsten Punkte gemeinsam herausarbeiten, um die Struktur der Szene und die Abläufe von Gängen etc. festzulegen. Sobald die Grundstruktur steht und ihr euch mit dem groben Ablauf gut fühlt, üben wir die Szene ein paar mal so, wie sie am Ende gespielt werden sollte.
- Script Analyse:
- Wir beschäftigen uns mit dem Inhalt der Szene und den Charakteren und deren Absichten. Oft sind diese sehr offensichtlich. Es ist jedoch sehr interessant etwas tiefer in die Materie einzutauchen, um zu sehen, was dort sonst noch sein könnte und Deinem Spiel mehrere Ebenen geben könnte. Wir besprechen gemeinsam worum es in der Szene geht, worum es den Charakteren in der Szene geht, was deren Motivation ist und finden sicherlich ein paar interessante Entscheidungen, die der Szene und Deinem Spiel die besten Möglichkeiten für eine interessante Darstellung geben.
- Mit dem Regisseur arbeiten:
- Basierend auf Deiner Erfahrung und Deinen Wünschen für Deine Szene, werden wir versuchen, gemeinsam das Beste aus jedem Take herauszuholen. Gerne kannst Du Deine Vorstellungen miteinbringen oder Fragen stellen.
- Continuity:
- Sobald die Szene gestellt ist, ist es sehr wichtig auf Wiederholbarkeit zu spielen, um später keine Probleme mit Anschlüssen etc. zu bekommen. Das bedeutet, dass es wichtig ist, auf seine eigene Kontinuität zu achten was Bewegungen und Abläufe betrifft (z.B. ob und wann man in der Szene die Arme verschränkt, sich durch die Haare streicht, etwas trinkt etc.)
- Verständnis für die Wichtigkeit des Tons:
- Wir werden mit einem Boom arbeiten, um den perfekten Ton einzufangen. Das bedeutet, dass Du nicht verkabelt wirst, sondern der Tonmann den Ton mit einer Tonangel über euren Köpfen „angelt“. Abhängig davon wie nah die Spielpartner nebeneinander stehen, fokussieren wir uns normalerweise auf einen Schauspieler. Du wirst lernen, darauf zu achten, dass sich eure Tonspuren nicht überschneiden dürfen bzw, dass ihr euch nicht gegenseitig reinredet und wann dies zwingend notwendig ist und wann nicht. Dies ist wichtig, damit wir im Schnitt zwei saubere Tonspuren haben und mehr Freiheit beim Schneiden haben. Ein Verständnis hierfür wird Dir helfen effizienter zu arbeiten und Takes zu sparen.
- Wildtrack:
- Manchmal kann es vorkommen, dass ein Wort oder ein Satz nicht klar aufgezeichnet werden konnte (z.B. bei Streitgesprächen oder in Action Szenen.) Wenn das passiert, kann es notwenig sein, einen Wild Track aufzuzeichnen. Das heißt, dass Du lernst, Dich noch einmal in die Rolle hineinzuversetzen und den fehlenden Satz noch einmal für den Ton nachzuliefern, damit wir eine saubere Tonspur haben.
- Camera Speed:
- Manchmal können Bewegungen im Film schneller wirken als sie sich im echten Leben anfühlen. Wir werden herausarbeiten, wann und ob das der Fall ist und Dir helfen, Dein Spiel anzupassen, um Deine Leistung effektiv in der Kamera festzuhalten.
- Spielortwechsel und Neue Rolle:
- Wir werden pro Szene eine neue Location, sowie einen neuen Spielpartner haben. Sowohl zu einer neuen Location umzuziehen als auch in eine neue Rolle zu schlüpfen kann ein ermüdender Prozess sein. Dieser Drehtag wird Dir praktische Erfahrung in beidem bieten und Dich darin fördern, vorausschauend zu denken („Welche Kostüme benötige ich wann?“, „Wie sollen meine Haare in der nächsten Szene aussehen und wie lange brauche ich für den Wechsel?“ usw.). Solltest Du nur eine Szene spielen, ist auch hier wichtig, sich rechtzeitig auf die Aspekte der Rolle vorzubereiten, um keine Zeit bei der Arbeit zu verlieren.
- Monitoring Playback:
- Meist haben Schauspieler keine Möglichkeit, sich ihren letzten Take in der Kamera einmal anzusehen, um ein besseres Verständnis für die Anweisungen der Regie zu bekommen. Zum Zwecke des Lernens, bieten wir diese Möglichkeit jedoch an, damit Du ein Gefühl für Dein Spiel vor der Kamera bekommst und Dich von außen betrachten kannst. Dies gibt Dir und der Regie die Möglichkeit zu verstehen, was gut funktioniert und was nicht und wo Du evtl. Dein Spiel und Deine Performance anpassen musst, um den nächsten Take zu verbessern.
- Pick Ups:
- In einer Location zu shooten, gerade, wenn es ein Außendreh ist, bedeutet, dass oft viele Dinge hinzukommen, die eine laufende Szene unterbrechen. Während des Drehtages wirst Du feststellen, dass wir mit verschiedenen, äußeren Einflüssen zu tun haben werden. Aus diesem Grund wird es evtl wichtig sein, an einer Stelle zu pausieren, jedoch nicht unbedingt den Take abzubrechen, aber kurz zu warten (z.B. bis ein Flugzeug vorbeigeflogen ist, der Wind sich wieder legt oder ein Auto vorbeigefahren ist) und dann an der selben Stelle wieder einzusteigen, um den Take fortzuführen. Gut in Pick Ups zu sein und sich von äußeren Einflüssen nicht aus der Rolle werfen zu lassen oder die Energie der Szene fallen zu lassen, ist ein wichtiger Aspekt und essentiell für eine gute Arbeit vor der Kamera.
- Shots:
- Wenn wir drehen, werden wir verschiedene Objektive nutzen, um verschiedene Einstellungen und Perspektiven drehen zu können. Wenn das Objektiv gewechselt wird, wird erklärt, warum dieser Wechsel stattfindet und wozu. Dies hilft Dir hoffentlich als Schauspieler zu verstehen, wie und warum bestimmte Brennweiten genutzt werden und wie sie dazu beitragen, die Geschichte zu erzählen und Dein Spiel zu unterstützen. Auch wirst Du lernen, dein Spiel an diese Wechsel evtl. anzupassen was Mimik und Gestik in verschiedenen Einstellungsgrößen (Close Up, Totale usw.) betrifft, um eine starke Performance abzuliefern.
- Time Management:
- Du wirst lernen, wie wichtig ein gutes Time Management ist, da wir manche Locations nur für einen bestimmten Zeitraum nutzen können. Sind wir zeitlich im Verzug, weil wir für eine vorherige Szene zu lange brauchen, könnte das dazu führen, dass wir bei der nächsten Szene weniger Zeit haben. Dies ist etwas, dass auch an einem echten Set sehr oft vorkommt, daher ist es wichtig zu lernen, damit umzugehen.
- Zusammengefasst:
- Es wird viele weitere Aspekte des Camera Actings geben, mit denen wir uns beschäftigen werden, abhängig davon, was an dem Tag auf uns zukommt und mit welcher Szene wir uns beschäftigen. Das Ziel ist es, Deine Fähigkeiten als Filmschauspieler zu erweitern und eine Demobandszene zu kreieren, die Dich bestmöglich präsentiert, während Du gleichzeitig einen Einblick bekommst, was hinter den Kulissen in den einzelnen Abteilungen wie Kamera, Regie und Ton passiert und lernst, in einem Team zu funktionieren.
